𝑻𝒉𝒆 𝑺𝒕𝒓𝒐𝒌𝒆𝒔: 𝒍𝒂 𝒉𝒊𝒔𝒕𝒐𝒓𝒊𝒂 𝒂𝒍 𝒍í𝒎𝒊𝒕𝒆 𝒅𝒆 𝒖𝒏𝒂 𝒃𝒂𝒏𝒅𝒂 𝒏𝒆𝒐𝒚𝒐𝒓𝒒𝒖𝒊𝒏𝒂

Surgieron en 1998 en Nueva York, cuando Julian Casablancas invitó al guitarrista Albert Hammond Jr. a sumarse a su trío inicial (Julian, Nick Valensi y Fabrizio Moretti), completando así la formación clásica con el bajista Nikolai Fraiture. En su primer show como banda (septiembre de 1999 en el club The Spiral de Manhattan) ya mostraban ese rock crudo y callejero neoyorquino. Pronto llamarían la atención de la prensa: su EP The Modern Age (principios de 2001) desató una guerra de ofertas discográficas hasta fichar con RCA.


𝑨𝒔𝒄𝒆𝒏𝒔𝒐 𝒎𝒆𝒕𝒆ó𝒓𝒊𝒄𝒐 (2001-2005)


Con contrato en mano, en el verano de 2001 lanzaron Is This It, su primer álbum oficial. Fue un bombazo: recibieron alabanzas unánimes y ventas fuertes, colocándolos en la cima de las listas alternativas y en “mejores discos” de rock modernos. La crítica los consideró salvadores del rock revival, aunque ellos mismos se sentían medio perdidos: Hammond Jr. admitió que a esas alturas ni sabía qué era el festival de Reading ni la revista NME cuando su éxito estalló en Inglaterra. Aun así, “Is This It” quedó grabado como un clásico de culto.


Prosiguieron con dos álbumes seguidos: Room on Fire (2003) y First Impressions of Earth (lanzado en enero de 2006). Ambos vendieron bien –el tercero incluso debutó en el #1 del Reino Unido–, pero ninguno igualó el fervor inicial de su debut. En medio de giras interminables tocaron en festivales europeos, telonearon a Tom Petty e hicieron 18 conciertos sold-out en UK, antes de anunciar a finales de 2006 que necesitaban “un extenso descanso”. Era el principio de su declive creativo: como confesó más tarde Casablancas, en esa época estaban en una nube de excesos (el cantante llegó a inyectarse “cócteles” de ketamina, heroína y cocaína casi al borde de la muerte), y la mayoría de la banda admitió dificultades internas.


𝑪𝒉𝒐𝒒𝒖𝒆 𝒄𝒓𝒆𝒂𝒕𝒊𝒗𝒐 𝒚 𝒑𝒓𝒐𝒚𝒆𝒄𝒕𝒐𝒔 𝒑𝒂𝒓𝒂𝒍𝒆𝒍𝒐𝒔 (2006-2015)



Los años siguientes fueron de crisis. Hubo roces internos graves: Casablancas era el principal compositor (con créditos en casi todos los temas iniciales) y eso generó tensiones “intra-banda terribles”. En 2011 Angles salió apurado y “sonó como si la banda ni quisiera grabarlo” y ni siquiera hicieron gira por Comedown Machine (2013) porque “no estábamos en armonía” Como confesarían años después, “hubo conflicto y miedo y lo superamos” pero la chispa creativa había mermado: terminaron el contrato con RCA en 2013 y sólo sacaron el EP Future Present Past (2016) para cortar de tajo.


Durante ese receso, cada integrante alivió tensiones con proyectos paralelos. Casablancas publicó su álbum solista Phrazes for the Young (2009) y formó la banda experimental The Voidz. Hammond Jr. lanzó varios discos como solista (Yours to Keep 2006, ¿Cómo Te Llama? 2008, Momentary Masters 2013, etc.). Valensi creó la banda CRX (álbum New Skin en 2016, Peek en 2019). Fraiture dio vida a Nickel Eye (solista) y lidera Summer Moon desde 2016. Moretti cofundó la banda Little Joy (álbum en 2008) y lidera el colectivo artístico Machinegum (desde 2018) En resumen, “cada uno estaba en su rollo” mientras la banda dormía.


𝑹𝒆𝒈𝒓𝒆𝒔𝒐 𝒊𝒏𝒆𝒔𝒑𝒆𝒓𝒂𝒅𝒐 𝒚 ú𝒍𝒕𝒊𝒎𝒐 𝒅𝒊𝒔𝒄𝒐 (2020)


Tras una década medio silenciosa, The Strokes resurgieron con energía. En 2020 lanzaron The New Abnormal, producido por Rick Rubin. El disco fue saludado como un regreso a la forma: mezcla sutil del sonido clásico Strokes con letras algo más políticas. Critics lo aplaudieron y hasta les valió el Grammy al Mejor Álbum de Rock 2021. Se anunció como la sexta (primera en siete años) entrega de la banda, y puso en evidencia que aún tenían punch creativo. Los miembros, hoy de mediana edad, siguen tocando: por ejemplo, ofrecieron un concierto benéfico en 2020 donde Casablancas cantó «New York City Cops» con un policía real en escena (ironías actuales).


𝑳𝒆𝒈𝒂𝒅𝒐 𝒆 𝒊𝒏𝒇𝒍𝒖𝒆𝒏𝒄𝒊𝒂𝒔


Nadie lo niega: The Strokes dejaron huella mundial. Son creditados por reactivar la escena indie/post-punk a principios de los 2000, desenterrando el rock de guitarras en plena era pop vacía.. Su irrupción influyó en bandas como The Libertines, Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, Interpol, The Killers, Yeah Yeah Yeahs, Kings of Leon, etc. –de hecho Alex Turner (Arctic Monkeys) cantó “yo sólo quería ser uno de los Strokes” en 2018, reflejo de esa devoción. Además, su primer disco sigue en infinidad de listas de mejores álbumes de rock y su sonido “cool” marcó una época de camisetas ajustadas y estilismos retro (“vintage” como dicen).


La trayectoria de The Strokes combina fama rockera real y “cafecito con amigo en el estudio”. Su tono irónico y desenfadado suele dibujar sonrisas (“¡qué suerte los cambios de reguetón cuando lo nuestro era puro rock!”), pero su legado está sólidamente apoyado en datos: giras internacionales, premios y la reverencia de nuevas generaciones. En síntesis, The Strokes pasaron de chicos neoyorkinos a iconos del indie, sobrevivieron a crisis creativas y hoy, más de dos décadas después, aún sacuden al mundo con sus guitarras rasposas

CHRISTIAN DEATH – The Path of Sorrows (1993): El ocaso del romanticismo oscuro

Cuando The Path of Sorrows vio la oscuridad en 1993, Christian Death ya no era la misma bestia nihilista y sacrílega que había incendiado los 80. Este disco, sin embargo, no fue una traición a la esencia, sino una transformación dolorosa y elegante hacia un romanticismo gótico más etéreo, melancólico y místico. Firmado por la versión del grupo liderada por Valor Kand, este álbum marca una etapa crucial de maduración en la segunda era de la banda.


⚰️ El Contexto: Guerra de nombres, guerra de estilos
Christian Death, tras la salida de Rozz Williams en los años 80, se dividió en dos frentes:


Rozz Williams, fundador original, formó Christian Death featuring Rozz Williams, más fiel a la estética deathrock.


Valor Kand, guitarrista y compositor, se quedó con el nombre “oficial” de Christian Death, impulsando un enfoque más sinfónico, filosófico y menos punk.


The Path of Sorrows pertenece a esta segunda línea, lanzado bajo el sello Cleopatra Records, un bastión del goth industrial de los 90.


Este álbum deja atrás el deathrock crudo de los primeros discos y abraza una atmósfera más oscura y madura. Valor construye un paisaje sonoro rico en teclados, guitarras lánguidas, voces profundas y atmósferas casi litúrgicas. A veces recuerda a Dead Can Dance, a veces a los momentos más sombríos de Sisters of Mercy, pero siempre con una personalidad propia.


Destacan canciones como:


“Psalm (Maggot’s Lair)” – Un rezo fúnebre con guitarras en espiral y un aire de ritual.


“The Path of Sorrows” – El track que da nombre al disco, una plegaria romántica hacia la oscuridad interna.


“Hour of the Wolf” – Melancolía pura, con una atmósfera casi cinematográfica.


☦️
Valor Kand reemplazó el nihilismo agresivo de Rozz con una introspección espiritual más ambigua. Las letras de The Path of Sorrows navegan por la religión, el sufrimiento, el amor como herida eterna y una visión del mundo poética y fatalista. Hay ecos de misticismo cristiano, simbolismo decadente y romanticismo enfermizo.


El arte del disco, con un estilo renacentista oscuro, y el uso de imaginería sacra, consolidaron a esta versión de Christian Death como un pilar del goth barroco noventero. La estética visual es coherente con la música: teatral, elegante, melancólica.


Muchos fans del Christian Death de Rozz Williams suelen mirar con desdén la era Valor, pero The Path of Sorrows ha ganado respeto con el tiempo. Es un disco que no busca provocar con escándalo, sino invocar una tristeza profunda, madura y reflexiva. Y en ese terreno, brilla con luz propia… una luz negra, por supuesto.


📌 Dato extra (real y olvidado):
The Path of Sorrows fue grabado entre 1992 y 1993 en EE. UU., en pleno auge del rock alternativo, cuando el gótico estaba recluido en los sótanos y clubes underground.


En 1994 salió su álbum gemelo, “The Rage of Angels”, que complementa el concepto con más fuerza y teatralidad.

Rosetta Stone – Adrenaline (1993): El golpe eléctrico que reanimó al goth rock en plena resaca post-ochentera

Cuando el goth rock parecía haber caído en coma tras la sobreexposición de los 80, entre los ecos lejanos de Bela Lugosi’s Dead y las sombras ya gastadas de The Sisters of Mercy, llegó un zarpazo británico que sacudió el féretro con una descarga de electricidad pura: Adrenaline (1993), el debut de Rosetta Stone, un disco que fue todo menos sutil.


No más susurros, ahora se gritaba en las catacumbas
Rosetta Stone no eran unos novatos jugando a ser oscuros. Venían de las ruinas de la escena post-punk británica, liderados por el carismático Porl King, un tipo que parecía haber nacido con un cigarro, una máquina de humo y un delay bajo el brazo. Pero en lugar de seguir la línea etérea y melancólica de bandas como Cocteau Twins o Lycia, los Stone tomaron el camino del golpe directo: drum machines crudas, guitarras abrasivas y una voz que parecía invocar a los dioses industriales del subsuelo.


Adrenaline es el título perfecto. Desde “Darkside”, un clásico instantáneo— el disco avanza como una locomotora gótica propulsada por cajas de ritmo saturadas, riffs afilados como cuchillas y atmósferas densas que podrían haber sonado en un rave postapocalíptico en Berlín o en un funeral de cyberpunks en Leeds.


Entre las cenizas de los 80, una nueva oscuridad
A principios de los 90, el goth rock estaba en una especie de limbo. El grunge dominaba las listas, el britpop comenzaba a emerger, y muchos de los pioneros del darkwave estaban experimentando mutaciones electrónicas. En medio de ese caos, Rosetta Stone se presentó como un puente entre la estética gótica tradicional y la energía industrial de la nueva década.


Temas como “Adrenaline”, “Sense of Purpose” o “Leave Me for Dead” capturan esa dualidad: el romanticismo decadente del pasado con la agresividad robótica del futuro.


Una de las jugadas más polémicas de Rosetta Stone fue su capacidad de sonar pegajosos sin dejar de ser siniestros. Había hooks, estribillos memorables, incluso melodías bailables, pero todo cubierto con una capa de neblina gris y maquillaje corrido. Eso les ganó seguidores en clubs alternativos de Europa, pero también críticas de los puristas que veían en ellos una traición a la crudeza del movimiento.


Pero Porl King no estaba para complacer a los fantasmas del pasado. Quería que el goth rock se sintiera vivo, urgente, como un puñetazo en la garganta mientras bailas en una pista iluminada por luces estroboscópicas moradas.




Adrenaline no cambió la historia del rock, pero sí fue una patada necesaria a un género que comenzaba a repetirse a sí mismo. Inspiró a una nueva ola de bandas goth y consolidó a Rosetta Stone como una anomalía gloriosa dentro de un submundo que muchas veces se toma demasiado en serio.

The Sisters of Mercy – Vision Thing (1990): La Última Misa Negra del Rock Gótico

Hay discos que cierran ciclos con el estruendo de una puerta que no volverá a abrirse. Vision Thing, el tercer y (hasta ahora) último álbum de The Sisters of Mercy, no fue solo un cierre: fue un puñetazo negro en la mesa, una despedida elegante y rabiosa del sonido gótico clásico, firmada por uno de los padres fundadores del estilo. Andrew Eldritch, ese crooner vampírico que parecía haber salido de una novela de Anne Rice pasada por una fábrica de humo industrial, nos entregó en 1990 un manifiesto que dividió a la audiencia: unos lo tacharon de traición, otros lo veneraron como evolución. Junkies Sound está entre los segundos.




Después de los majestuosos y oscuros First and Last and Always (1985) y Floodland (1987), Eldritch se aburrió del romanticismo decadente y del teclado atmosférico. Para Vision Thing, decidió encender las guitarras y prender fuego a los altares. El resultado: un disco más crudo, más hard rock, pero con el mismo veneno en la sangre.


Este no es un álbum gótico tradicional. Aquí no hay tumbas llorando ni suspiros eternos. Vision Thing es político, cínico, envenenado por la frustración del final de los 80. El título es una burla directa a George H. W. Bush, y las letras escupen sarcasmo, nihilismo y desprecio posmoderno. Si Floodland era un réquiem, Vision Thing es una revuelta.


La batería de Doktor Avalanche sigue ahí, implacable como siempre. Pero ahora se une a guitarras filosas, a medio camino entre el glam rock tardío y el hard rock que gobernaba MTV. Tony James (de Sigue Sigue Sputnik y Generation X) estuvo brevemente en la banda, y aunque no quedó en la formación final del disco, su influencia dejó huella en el sonido.


Canciones como “More” (coescrita con Jim Steinman, el productor de Meat Loaf) son verdaderos himnos de estadio, saturados de dramatismo y violencia emocional. “Detonation Boulevard” es una carretera infernal de riffs repetitivos y voz autoritaria. “Ribbons” suena como si Iggy Pop se hubiera perdido en un cementerio gótico a medianoche.




Lo mejor de Vision Thing no es su sonido, sino su actitud. Eldritch no canta: sentencia. Cada línea parece un manifiesto político existencial. Habla de drogas, poder, desilusión, América y decadencia cultural. Es un disco que anticipa el cinismo del rock de los 90, antes de que el grunge lo oficializara.


En “Dr. Jeep”, lanza dardos contra la guerra y los medios de comunicación. En “When You Don’t See Me”, explora la alienación con un groove casi bailable. Y el cierre con “Something Fast” es una joya: una balada amarga y minimalista que suena como un adiós definitivo.


¿Y después?
Después de Vision Thing, Eldritch no grabó más discos. Se sumergió en batallas legales con su disquera, giró eternamente con nuevos músicos, y dejó a sus fans colgados como adolescentes esperando una llamada que nunca llegó. The Sisters of Mercy quedó congelado en el tiempo como un mito vivo, tocando en vivo sin sacar nuevo material desde hace más de 30 años.

FIELDS OF THE NEPHILIM – ELIZIUM (1990)

En 1990, mientras el grunge cocinaba su asalto definitivo desde los garajes de Seattle y el metal industrial comenzaba a fusionarse con la distopía noventera, Fields of the Nephilim decidía mirar hacia otro abismo: el de lo cósmico, lo místico, lo oculto. Así nació Elizium, su tercer y más ambicioso álbum. Una obra donde el goth rock se viste de apocalipsis espiritual y desierto estelar. Más que un disco: un viaje ritual al borde de la conciencia.


Olvídate del cliché de encajes, murciélagos y sombra de ojos. Fields of the Nephilim, liderados por el chamán Carl McCoy, venían de otro plano. En lugar de canalizar a Bauhaus o Siouxsie, sus invocaciones se nutrían de Aleister Crowley, H.P. Lovecraft, polvo de cementerios western y psicodelia pesada. Elizium es la consumación de esa alquimia.


El nombre lo dice todo: Elizium (sí, con “z”) es una deformación de los Campos Elíseos, el paraíso de los héroes en la mitología griega. Pero aquí no hay descanso ni gloria. Solo tránsito. Un tránsito hipnótico entre lo terrenal y lo astral.


Desde que arranca con “(Dead but Dreaming)” hasta el último lamento cósmico de “And There Will Your Heart Be Also”, el disco se siente como una misa pagana que te va arrastrando hacia el más allá, lenta pero inevitablemente. Las guitarras de Peter Yates y Paul Wright son atmósfera pura, distorsión reverberante, casi líquida. Nada de riffs gancheros: esto es textura, esto es trance.


El bajo de Tony Pettitt guía como un péndulo, mientras McCoy murmura, recita y predica como si estuviera poseído por un espíritu antiguo. “Sumerland (What Dreams May Come)” es probablemente el tema más accesible (y uno de los más poderosos), pero no por eso menos cargado de simbolismo y oscuridad.


Producido por Andy Jackson (sí, el ingeniero de Pink Floyd), Elizium suena como una galaxia sombría. Hay delay, hay reverb, hay espacio. Nada aquí es directo: todo flota, se expande, se disuelve. No es un álbum para poner de fondo. Es un disco que exige ritual, auriculares y noche cerrada.




Trágicamente, Elizium también significó el final de la alineación clásica de los Nephilim. McCoy se largó a montar The Nefilim (más metal y más apocalíptico) y la magia original se diluyó. Pero el legado quedó: Elizium es el testamento definitivo de un goth rock que no se conformó con la estética, sino que buscó el espíritu. Un disco que no quiere gustarte: quiere transformarte.


Junkies Sound: Si no te quema el alma, no es rock.

Emily Armstrong: la frontwoman indómita del rock alternativo

 

Creció en Los Ángeles empapada del espíritu del rock. Desde niña tomó una guitarra –a los 11 años empezó a componer– y a los 15 ya “abandonó la escuela secundaria sabiendo que quería estar en una banda de rock” Para ella, la música era “lo único que la mantenía motivada” en la vida, Influenciada por la crudeza de Nirvana y el folk clásico de Joni Mitchell o Stevie Nicks, Armstrong tocó música folclórica en bandas de colegio antes de conocer en 2002 a Siouxsie Medley, otra guitarrista amante del grunge y el blues setentero. Juntas comenzaron a escribir canciones al año siguiente, y en marzo de 2005 dieron su primer concierto como dúo –entonces llamados Epiphany– en el club The Mint de Los Ángeles, donde Emily incluso tocó el bajo en vivo. Poco después cambiaron su nombre por Dead Sara (inspiradas en una letra de Fleetwood Mac que interpretaron como “dead Sara”), y siguieron formándose en el circuito local con la mezcla de hard rock y ritmos punk blues que las caracterizaría.


El nacimiento de Dead Sara


A partir de 2007 el dúo se amplió para formar la alineación clásica de Dead Sara. Tras varias rotaciones, en 2009 la batería pasó a ser Sean Friday y el bajo quedó en manos de Chris Null, ambos veteranos que habían tocado con Sonny Moore (Skrillex). Ese mismo año Emily ya recibía reconocimientos de iconos del rock: Grace Slick la mencionó como una voz admirada en una entrevista de Wall Street Journal, y Courtney Love la invitó a Nueva York para grabar coros en el álbum Nobody’s Daughter (2010) Mientras tanto la banda empezaba a ganar tracción: en 2007 abrió su primera gira acompañando a Endless Hallway y, un año después, publicó el EP The Airport Sessions


En 2010 Emily y Siouxsie fundaron su propio sello independiente, Pocket Kid Records, para lanzar material propio. Con ese apoyo autoprodujeron en abril de 2012 su disco debut homónimo Dead Sara, con el productor Noah Shain. El álbum –mezcla de guitarras densas y la voz desgarradora de Emily– fue un suceso underground: alcanzó el #16 en la lista Heatseekers de Billboard, y pronto el sencillo “Weatherman” se volvió su carta de presentación.


El estallido con “Weatherman” y el álbum debut
El gran salto de Dead Sara llegó gracias a “Weatherman”. Según cuenta la banda, un programador radial vio a Dead Sara en un showcase y pospuso la proyección de un documental de Staind para escuchar su música. De regreso a Connecticut, el DJ Mike Karolyi puso “Weatherman” sin que estuviera oficialmente editada: la canción llegó al #2 anual del conteo Top 69 de su estación en 2011. Al año siguiente la banda la lanzó como sencillo adelanto, y el álbum Dead Sara vio la luz en abril de 2012


El disco –recibido con elogios por su sonido crudo y emocional– consolidó a la banda en la escena alterna. “Weatherman” incluso apareció en un comercial del Fiat 500 Abarth Burnin’ Up the Desert, mientras Dead Sara recogía premios de mejor banda nueva en Vegas Rocks! (2012) y menciones honoríficas en varios críticos. Loudwire, por ejemplo, la eligió como la Mejor canción de rock de 2012, y situó a Armstrong entre las diez vocalistas top del año. En pocos meses Dead Sara pasó de tocar en clubes a telonear a figuras como Muse –en su gira mundial de 2013–, Bush (2011), Chevelle, The Used, The Offspring y Neon Trees.


Historias.
En la ruta, Dead Sara generó momentos únicos. Durante el Sunset Strip Music Festival de 2012, Emily subió al escenario con Ray Manzarek y Robby Krieger de The Doors para interpretar juntos “Soul Kitchen”, escena que la prensa rockera destacó como un instante emblemático. Para el video de su canción “Lemon Scent” (2013), la banda organizó un peculiar rodaje en un estudio de Los Ángeles: bajo la dirección de Reg B., los miembros de Dead Sara y un grupo de fans voluntarios simularon un combate de boxeo privado. El clip –en el que se ven puñetazos y patadas entre guitarras– se estrenó en la web de Rolling Stone el 14 de marzo de 2013. Estos ejemplos subrayan el carisma escénico de Emily: incluso antes de un gran álbum, su “voz poderosa y carisma en el escenario” llamaron la atención de críticos y público.
Independencia y cambios recientes


Tras los primeros éxitos, Dead Sara vivió su propia travesía. A principios de 2014 entró al estudio con Noah Shain para el segundo disco, pero problemas con Epic Records retrasaron el proyecto. En su lugar, Dead Sara optó por la autoproducción: en marzo de 2015 lanzaron Pleasure to Meet You a través de Pocket Kid Records, financiado parcialmente vía la plataforma PledgeMusic. El álbum siguió la vena rockera del debut, pero tras la gira promocional el bajista Chris Null dejó la banda, regresando el trío original (Armstrong, Medley, Friday) a sus orígenes.


En 2017 la banda firmó un breve contrato con Atlantic Records y sacó el EP Temporary Things Taking Up Space (2018). En 2020 Emily publicó el single “Hands Up” y, finalmente, en septiembre de 2021 salió su tercer álbum Ain’t It Tragic. A lo largo de estos años Dead Sara ha alternado el trabajo independiente con pasos por grandes sellos, siempre manteniendo una fuerte conexión con sus fans (los mismos que han participado en videos y campañas de la banda).


Y entonces… Linkin Park


En mayo de 2024, una bomba sacudió al mundo musical: Emily Armstrong fue confirmada como la nueva vocalista de Linkin Park. Tras años de duelo por Chester Bennington, la banda buscaba algo más que un reemplazo: querían un nuevo capítulo. Y lo encontraron en ella.


No fue improvisado. Mike Shinoda había seguido su carrera desde “Weatherman”. Las sesiones privadas de 2023 confirmaron lo inevitable. Un teaser en redes, con Emily interpretando “One Step Closer” en estudio, selló la aprobación de los fans: no imitaba a Chester, imponía su propia energía. Cruda, emocional, rabiosa.


Exactamente lo que Linkin Park necesitaba para volver a ser peligroso.
Ahora, con un nuevo álbum en camino y una gira mundial programada para 2025, Emily Armstrong no solo lidera su propia banda. Lidera una generación. Como dijo Mike en una entrevista reciente:
“Emily es fuego puro. Tiene el alma punk, la energía grunge y la actitud que Linkin Park necesitaba para volver a sentirse vivo.”


El legado está más vivo que nunca


Emily Armstrong representa todo lo que el rock necesita: autenticidad, pasión, rabia con causa. Desde los bares de Los Ángeles hasta los estadios del mundo, ha escalado sin venderse. No llegó para calzar los zapatos de nadie. Llegó a romperlos.





Y lo mejor… es que apenas está comenzando.

Del Caos a la Catarsis: La Muerte de Hillel Slovak, la Depresión de Jack Irons y el Nacimiento de Pearl Jam

A veces, las tragedias no solo rompen bandas, sino que dan origen a nuevas leyendas. Este es el caso de tres nombres clave en la historia del rock alternativo: Hillel Slovak, Jack Irons y una consecuencia que pocos vieron venir: la creación de Pearl Jam.
Hillel Slovak: El alma original de los Red Hot Chili Peppers
Antes de que Red Hot Chili Peppers se convirtieran en una banda globalmente influyente con “Californication” o “By the Way”, había una etapa más cruda, más funk, más callejera. Esa fase tenía un nombre y una guitarra inconfundible: Hillel Slovak.
Hillel nació en Haifa, Israel, y emigró a Los Ángeles siendo niño. Junto a Anthony Kiedis, Flea y Jack Irons formó What Is This? y luego fundó Red Hot Chili Peppers en 1983. Slovak era el corazón sónico de la banda: fusionaba el funk con la psicodelia, el punk con el groove, sin filtros.

Pero como muchos genios de su tiempo, Hillel no escapó al abrazo tóxico de la heroína. Tras grabar el disco The Uplift Mofo Party Plan (1987), Slovak estaba en una espiral autodestructiva. El 25 de junio de 1988, fue encontrado muerto en su departamento por sobredosis de heroína. Tenía solo 26 años.

Jack Irons: Un colapso emocional

La muerte de su mejor amigo no fue solo una pérdida musical para la banda. Fue una detonación emocional para Jack Irons, baterista original de RHCP y compañero de banda desde la preparatoria.
Irons entró en una profunda depresión tras el fallecimiento de Slovak. Se negó a continuar con los Chili Peppers, pues no soportaba estar en una banda donde las drogas eran el pan de cada día. En palabras del propio Jack:
"No podía seguir viendo a mis amigos morir por esto. Hillel fue suficiente."
Irons dejó la banda en 1988. Para ese momento, Kiedis también recaía constantemente en el consumo. La banda reclutó temporalmente a D.H. Peligro (Dead Kennedys) y luego a Chad Smith. Pero el círculo se había roto.

La conexión con Pearl Jam

Después de un período fuera del radar, Jack Irons fue invitado por un viejo amigo: Stone Gossard, exguitarrista de Mother Love Bone (otra banda marcada por la tragedia, ya que su vocalista Andrew Wood murió de sobredosis en 1990). Gossard y Jeff Ament (bajista) buscaban crear algo nuevo y diferente. Jack Irons no se unió a la banda directamente, pero hizo algo crucial: le dio un demo a un joven repartidor de pizzas de San Diego llamado Eddie Vedder.
Vedder escribió las letras para tres de las canciones del demo: “Alive”, “Once” y “Footsteps”. Se las devolvió grabadas… y el resto es historia. Esa cinta fue el embrión de Pearl Jam, uno de los nombres más importantes del grunge.

Aunque Jack Irons no fue miembro fundador, se unió oficialmente a Pearl Jam en 1994 y grabó con ellos dos álbumes: No Code (1996) y Yield (1998). Su estilo percusivo e introspectivo dio un giro a la banda, llevándolos a territorios más experimentales.

La historia de Hillel Slovak, Jack Irons y Pearl Jam es una cadena de consecuencias tejida con heroína, depresión, guitarras rotas y nuevas oportunidades. Sin la muerte de Slovak, Irons no habría abandonado RHCP. Sin Irons, Vedder tal vez nunca habría tenido la oportunidad de llegar a Gossard. Sin esas pérdidas, no tendríamos a Pearl Jam.

El rock, como la vida, a veces se alimenta del duelo para renacer. Y en este caso, el grunge nació del funk, la tragedia y la catarsis emocional de quienes sobrevivieron